Descubriendo Roma

11/05/2014

El éxtasis de Santa Teresa:

11/05/2014

El Baldaquino de San Pedro:

Fue la primera obra barroca realizada por Gian Lorenzo Bernini, artista italiano que estaba unido plenamente a Roma y que fue el inaugurador y genio del barroco. Se encuentra actualmente en el Vaticano, Roma.

La obra fue un encargo papal, consistía en levantar un monumento a Pedro porque homenajear a Pedro es hacerlo a todos los Papas. También es un homenaje a la ciudad de Roma y a la Iglesia Católica, es decir , a la Iglesia Universal.

Es un dosel que se levanta sobre la tumba de San Pedro situada debajo de la Cúpula Celestial. No tiene ninguna función pero si que un gran simbolismo.

Bernini ejecuta todo el Baldaquino en bronce dorado, aunque no sigue las características formales clasicistas ya que cambia las columnas clásicas con base capitel y fuste recto por unas con el fuste torsionado con un movimiento helicoidal, denominada columna salomónica. Esta columna arrasa en todo el continente, representa el dinamismo propio del arete barroco logrado en las columnas por el giro y las estrías giradas del fuste. El nombre de salomónicas es en recuerdo a las columnas del templo del Rey Salomón, que cuentan las leyendas que estaban torsionadas.

Estas columnas están envueltas de hojarasca, elemento inconfundiblemente barroco, es una auténtica maraña de ramas de olivo, laurel y la vid sobre estas columnas.

Bernini introduce los cortinajes, motivo muy barroco, símbolo de espectáculo y teatro.

En la parte superior del entablamiento aparecen unos ángeles alados, el arte barroco está repleto de ángeles que pueden ser alados o no revoloteando, y en la parte superior del todo hay unas volutas pergaminadas creando un juego de cóncavo-convexo lo que introduce un gran dinamismo propio del barroco.

El remate es el globo terráqueo mas la cruz, lo que tiene un significado muy claro, la cruz de Cristo sobre la tierra. Símbolo de la Iglesia Universal.

Bernini hace un arte escultórico muy expresivo, trabaja muchísimo las diferentes texturas y los sentimientos reflejados en las caras de sus estatuas, les da un gran dinamismo y todas sus obras tienen una anatomía perfecta como el “David” o “Apolo y Dafne”. Todas ellas reflejan un gran realismo.

11/05/2014

Vocación de San Mateo:

Mateo Contarelli, importante comerciante francés, compró para su gloria eterna la capilla Contarelli de la iglesia de San Luis de los Franceses en Roma con la intención de ser enterrado allí. Encargó un completo programa de pinturas y esculturas dedicadas al santo que le daba nombre: San Mateo. La compra se efectuó en 1565 pero en 1585, año en que muere Contarelli, no se habían efectuado las decoraciones pertinentes.

Los frescos de bóveda y paredes se encargaron al maestro de Caravaggio, el Caballero de Arpino, quien ejecutó diversas escenas entre 1591 y 1593. Pero los trabajos seguían sin avanzar sustancialmente, por lo que Caravaggio recibió el encargo para los dos óleos laterales, con la Vocación y el Martirio de San Mateo .

Más tarde, se le pediría también la pala de altar central, con San Mateo y el Ángel. Este encargo constituyó el primer trabajo de envergadura que Caravaggio realizó, y no para un coleccionista privado sino para una iglesia de acceso público, donde toda Roma podría contemplar su obra. Tal vez este condicionamiento hizo que algún lienzo que Caravaggio presentó para la capilla fuera rechazado (San Mateo y el ángel). Además, su estilo hubo de virar completamente, obligado a ejecutar una escena "de historia", como se denominaba entonces. Esto es, no se trataba de un momento de acción concentrada y simbólica, como por ejemplo los lienzos con la Decapitación de Holofernes o el Sacrificio de Isaac.

Por el contrario, debía realizar una escena mucho más compleja en cuanto a significados, escenario, número de personajes y momentos de la acción. Por eso, frente a los lienzos que había venido realizando con una o dos figuras, la Vocación de San Mateo presenta siete, que han de organizarse coherentemente y en profundidad en un espacio arquitectónico que ya no puede ser eludido por el pintor en una suerte de fondo neutro perdido en la oscuridad. Sin embargo, Caravaggio no renunció en absoluto a sus recursos plásticos, y de nuevo la luz es la que da estructura y fija la composición del lienzo. Así, tras la figura de Cristo que acaba de penetrar en la taberna brilla un potente foco de luz. La luz ha entrado en las tinieblas con Cristo y rasga el espacio diagonalmente para ir a buscar a la sorprendida figura de Mateo, que se echa para atrás y se señala a sí mismo dudando que sea a él a quien busca.
El rayo de luz reproduce el gesto de Cristo, alargando de manera magistral su alcance y simbolismo. Un compañero de Mateo, vestido como un caballero fanfarrón de la Roma que conocía tan bien Caravaggio, se obstina en no ver la llamada y cuenta con afán las monedas que acaban de recaudar.

11/05/2014

Fuente de Los Cuatro Ríos:

Esta fuente fue construida por Gianlorenzo Bernini entre 1648 y 1651 y es el elemento central de la plaza y el de mayor tamaño. Fue inaugurada en junio de 1651. Su factura sigue los esquemas básicos del Barroco: teatralidad, expresividad, escenografía y movimiento.
Consta de cuatro figuras de mármol travertino que representan a los cuatro ríos más importantes de la época intentando recrear su entorno con una dramática tensión. En estas figuras combina magistralmente el movimiento plástico y delicado con las facciones viriles.
En el centro se erige un obelisco egipcio de granito de más de 16 metros de altura que fue llevado a Roma por Caracalla o Domiciano, información que depende de las fuentes consultadas.
La representación de los cuatro ríos, de un tamaño mayor que el natural, se lleva a cabo de la siguiente manera (ver imágenes en la parte inferior de la entrada): el Nilo, que tiene los ojos vendados, lo que representa los orígenes desconocidos del río, el Danubio, que mira hacia los emblemas de Inocencio X, el Ganges, que sostiene un remo por su longitud como río navegable, y el Río de la Plata, rodeado de monedas para simbolizar la riqueza americana. Así se representa cada uno de los cuatro continentes conocidos en la época, por los cuales el catolicismo se había dispersado. (Aún no se sabía que Australia, recién descubierta, era un continente). Sus escultores materiales fueron: Giacomo Antonio Fancinelli, Claude Poussin, Antonio Raggi y Francesco Baratta.

Es interesante como Bernini concibe una gruta hueca por debajo de las figuras, un truco manierista para que el obelisco parezca suspendido en el aire. Existe además un claro contraste entre el cuerpo inferior, una pila elíptica simple y regular, y el desarrollo vertical de todo el conjunto en movimiento. Su estructura se puede dividir en tres cuerpos principales: la piscina de forma elíptica donde descansa toda la superficie; la estructura de mármol donde están esculpidos los cuatro ríos; y el cuerpo superior, formado por el obelisco.
La fuente representa figuras de siete animales, además de una paloma en lo alto del obelisco con una ramita de olivo, relacionando el emblema de los Pamphili: un caballo, una serpiente de tierra (en la parte alta, cerca del obelisco), una serpiente de mar, un delfín (que funciona como desagüe), un cocodrilo, un león y un dragón. Los árboles y plantas que emergen del agua y se encuentran entre las rocas también tienen una escala mayor de la real. Los animales pertenecen a especies grandes y potentes, y el espectador descubre nuevas figuras según gira en torno a la fuente, pues estando estático en un solo punto hay figuras que permanecen ocultas o cubiertas por la masa rocosa.

Inicialmente, esta fuente fue encargada a Borromini, pero finalmente se eligió a Bernini, lo que ha dado lugar a distintas leyendas. La historia cuenta que Inocencio X no envió una invitación a Bernini para construir la fuente, pero el escultor consiguió colocar un modelo de plata en una habitación del palacio papal y cuando fue visto por Inocencio X le fascinó y decidió encargarle la obra. Otra leyenda cuenta la rivalidad entre Bernini y Borromini, basada en el grupo escultórico de Bernini en contra de la iglesia construida por Borromini: el Nilo tiene los ojos cubiertos para no contemplar la iglesia, mientras que el Río de la Plata parece protegerse de su derrumbamiento. Sin embargo, es una leyenda infundada, pues la escultura se terminó antes que la iglesia, perdiendo así sentido esta interpretación.
Su finalidad es tanto utilitaria (proveer de agua a la ciudadanía) como simbólica (representación del poder papal). Su construcción causó gran polémica al ser construida en un periodo de hambrunas y pobreza para el pueblo romano.
Su contribución e influencia en el urbanismo barroco es notable gracias al gorgoteo que produce el agua y los reflejos de luz que producen destellos e influyen en la arquitectura, avivando la atmósfera del espacio.
Representaciones de los cuatro ríos:
- Río Nilo
- Río Danubio
- Río Ganges
- Río de la Plata

Vemos una imagen de la fuente en la película Angeles y Demonios.

I DO NOT OWN ANYTHING! ALL RIGHTS BELONG TO RON HOWARD AND SONY PICTURES For the ones who want to know, There is a cut in this scene. I left out "The church ...

11/05/2014

La basílica de Santa Agnes en Agone:

Se erigió en el punto donde la santa, de 12 años, fue torturada por reusar a casarse con un pagano (aparentemente “agone” no se refiere a la agonía de la santa, sino al término latino “juegos” que explicamos anteriormente). La niña virgen fue desnudada, pero milagrosamente su pelo creció hasta cubrirla y salvarla de la vergüenza. Un relato curioso narra que la santa fue torturada al lado de un prostíbulo que funcionaba en los subterráneos del estadio, y que, por sus funciones, requería de hornos para su calefacción. “Hornos” en latín se dice “fornices”, de donde devendría la palabra “fornicar”.

La iglesia fue construida sobre un santuario que databa del siglo VIII. Esta iglesia había sido encargada a Girolamo Rainaldi y su hijo Carlo, pero el diseño no satisfizo al papa. Por tanto en 1653, ya con los cimientos construidos, Borromini se encargó del diseño y desarrollo de la iglesia.

Manteniendo la planta en cruz de la misma, alteró la fachada para darle una forma cóncava sobre la que se ubica una esbelta cúpula.

Los cimientos de la propuesta original tenían forma de cruz griega, a la que Borromini añadió 8 grandes columnas de mármol rojo para sostener la cúpula, y que enfatizan la percepción del espacio como octogonal en lugar de cruciforme.

La revolucionaria fachada cóncava influenció otras iglesias barrocas en Europa. Además Borromini agregó dos torres laterales, lo cual da protagonismo a la fachada y la aleja de un esquema centralizado, como es, por ejemplo San Pedro en el Vaticano.

La iglesia fue continuada por Carlo Rainaldi luego del suicidio de Borromini en 1667. Finalmente (no sin cierta ironía) fue el propio Bernini quien cabó la obra en 1672, respetando en general la fachada de Borromini, añadiendo un pedimento ubicado sobre un ático.
El interior de la cúpula tiene frescos representando el martirio de Santa Agnes, que es un tema también representado en otras esculturas como el Milagro de Santa Agnes, por Alessandro Algardi.

11/05/2014

El Martirio de San Mateo:

Está colocado en la pared lateral de la capilla Contarelli de la iglesia de San Luis de los Franceses en Roma. Enfrente, formando pareja con este lienzo, se encuentra la Vocación de San Mateo, a cuyo comentario remitimos para averiguar la historia del encargo que se hizo a Caravaggio en referencia a estos dos cuadros y al titulado San Mateo y el ángel. Caravaggio de nuevo resuelve en este lienzo, por segunda vez en su carrera, un tema "de historia" que le obliga a crear un espacio más amplio que aquellos primeros planos volcados sobre el espectador de sus primeras pinturas.

En este caso son nada menos que trece los personajes los que aparecen en el lienzo, todos ellos en diferentes posturas y expresiones. La escena tuvo lugar, según las Escrituras, en un templo de cuya piscina se salía regenerado. La escena está compuesta desde el impactante grupo central donde el santo ha caído herido y lleno de sangre ante su verdugo. Todos los personajes que rodean la escena parecen haber sufrido la onda expansiva y se alejan en diferentes posturas desordenadas del verdugo y la víctima.

Entre los personajes que se apartan destacan dos en particular: uno es el muchacho con el rostro distorsionado por el horror, articulando ese grito espantoso que podemos apreciar en el Holofernes decapitado por Judit, en Isaac a punto de morir a manos de su padre o en la Medusa, cuya cabeza aún mana sangre. El otro personaje es nada menos que Caravaggio: situado al fondo, sólo se ve su cabeza de frente con gesto adusto y barba negra, inmediatamente a la izquierda del verdugo. Parece un moderno testigo situado en plena acción para luego poderla retratar con sus pinceles.
La escena, llena de agitación, posee intensos matices de crueldad, traducidos en el desorden provocado en los asistentes al martirio, las luces y sombras llenas de humos sombríos. Pero la mayor nota de crueldad la da el verdugo, que con su gesto sujeta y doblega la mano del santo caído para impedirle recoger la palma símbolo del martirio que un ángel viene a entregarle.

11/05/2014

La cúpula de san Pedro del Vaticano:

Fue diseñada por Miguel Ángel a mediados del siglo XVI. La arquitectura renacentista del cinquecento alcanza con esta obra uno de sus momentos culminantes. Pablo III había mandado a Miguel Ángel la terminación de la basílica encomendada por Julio II a Bramante a comienzos del XVI. Proyecta una doble cúpula (una interior y otra exterior) según el modelo que ya había realizado Brunelleschi en Santa María de las Flores en Florencia en el XV.

Los sucesores de Bramante, tanto Rafael como Antonio Sangallo el joven, habían vuelto a la tradicional planta basilical de cruz latina. Pero lo primero que hace Miguel Ángel cuando el papa Julio II le encarga continuar las obras de la basílica de San Pedro es volver a la planta de cruz griega original, ya planteada por Bramante, con una gran cúpula en el centro. Pero para ello tiene que reforzar los cuatro pilares que había previsto Bramante y que servirían para sostener la enorme cúpula de 42,5 metros de diámetro.

Sitúa la cúpula sobre el altar mayor y sobre la tumba del apóstol Pedro, enterrado, según la tradición, en este lugar. El tambor sobre el que se levanta la cúpula está decorado con columnas pareadas entre las ventanas. La alternancia de frontones triangulares y semicirculares sobre las ventanas y las gruesas guirnaldas decoran este exterior.

La cúpula, apuntada para darla mayor prestancia, está atada por unos nervios que, además de la función técnica, sirven para embellecer, con la articulación del espacio, una superficie que de otra forma sería demasiado monótona. La obra estaría rematada con una linterna.

Miguel Ángel no puede ver la obra terminada pues muere antes. Giacomo della Porta, sin variar apenas los plante del maestro, le dará el empuje final dotándola de una línea más aguda que la proyectada inicialmente por Miguel Ángel. Domenico Fontana, finalmente, agregará la linterna.

11/05/2014

Basílica de San Pedro del Vaticano:

http://www.artehistoria.com/arte/videos/761.htm Tras los diseños de Bramante, Rafael y Antonio da Sangallo será Miguel Angel el encargado de llevar a buen pu...

08/05/2014

Curiosidades de La Fontana di Trevi:

Ahora que nos hemos puesto en situación y conocemos parte de su historia es el turno de conocer algunos datos curiosos que han acompañado a esta espectacular fuente romana y que hoy día es uno de los lugares más populares de la ciudad.

1. ¿Sabias que la Fontana di Trevi, tiempo atrás, llegó a verter sobre su inmensa bañera más de 100.000 metros cúbicos al día?. Nada que ver con el caudal que hoy podemos observar. Si hoy nos parece impresionante imaginad como sería con tan desmesurado torrente.

2. ¿Sabías que la actual fuente se encuentra en el lado opuesto al lugar de la plaza donde se concibió originalmente? ¡Pues si!, fue una idea del Papa Urbano VIII quién decidió que desde ese lugar no podía disfrutar de las vistas y decidió adosarla al Palacio Poli. Imaginamos lo que supuso tal decisión, un esfuerzo extra con un resultado positivo pero al fin y al cabo... un simple capricho.

3. ¿Sabías que el proyecto aprobado a favor de Nicola Salvi se inspiró en gran medida en el proyecto original y descartado de Gian Lorenzo Bernini?. Con esto es fácil suponer que este último es el verdadero artista el cual concibió esta obra de arte y Nicola, sin desmerecer su esfuerzo, fue un mero ejecutor junto a otros artistas que aportaron su granito de arena con esculturas y otros detalles que encontramos hoy día.

4. ¿Conoces la historia sobre lanzar tres monedas a la fuente? Seguro que si, esta es la más popular de las leyendas y que habla de tirar una moneda con la mano derecha sobre el hombro izquierdo lo que te garantiza que algún día volverás a Roma. Si lanzas una segunda moneda te aseguras tener un romance y si decides lanzar una tercera puede acabar en matrimonio. Hay diferentes versiones sobre esta leyenda que también dicen que esa tercera moneda lanzada te asegura el divorcio en el caso de ya estar casado/a por lo que al final queda a la libre interpretación de cada uno y sus circunstancias.

5. Muchos seguro que conocíais la historia de las 3 monedas pero ¿sabéis cuantas monedas se lanzan a la fuente y donde van a parar? Pues se habla de que se ha llegado a recoger unos 3.000 € en un día y que al año supone alrededor de un millón de euros. Según dicen hay personas destinadas a recoger esas monedas durante la noche para ser llevadas a Caritas. Lo que no sabemos es si de hay pasarán por El Vaticano, en cualquier caso vamos a pensar bien y creer que se destinará su uso integro para los más desfavorecidos.

6. Aunque el viaducto y la fuente original se construyeron con el fin de abastecer de agua potable a los ciudadanos de Roma esto no es así actualmente. ¡No es potable... no te la bebas!

7. Aunque a muchos les seduce la idea de darse un baño en esta fuente al más puro estilo Anita Ekherg en la "Dolce Vita" debéis saber que está totalmente prohibido. ¿Conocéis las multas?

- Multa por bañarse: 500 €
- Aunque no he podido contrastarlo la multa se podría incrementar en 1.000 € más por bañarse desnudo ya que se incurre en escándalo público según las autoridades.
- El peor de los casos podría darse si dañas la estructura de la fuente ya que se habla de multas de más o menos 30.000 € y un año de cárcel.

Como veis la cosa no está para bromas ni aún cuando no es seguro que se estén imponiendo esas multas con toda seguridad. ¡Mejor vemos la fuente desde fuera!.

8. ¿Sabías que la fuente se cae a pedazos? Lamentablemente es así, parece ser que la situación económica retrasa su restauración y aunque las autoridades indican que no es una cuestión de gravedad, lo cierto es que se han descubierto numerosas grietas y fisuras llegando a desprenderse algunos detalles que han sido encontrados en la fuente y fuera de ella. Parece ser que al final una empresa de moda muy conocida llamada Fendi ha donado más de 2 millones de euros el pasado 2013 para su restauración y confía en que las obras finalicen en 2015.

www.latribunadeactualidad.com http://historiasdemostrador.blogs.latribunadeactualidad.es/2011/10/17/mitos/ Recuerdo cuando Umbral amenazaba con denunciar a l...

08/05/2014

Fontana de treví:

La Fuente de Trevies la mayor (con cerca de 40 metros de frente), más ambiciosa y más famosa de las fuentes monumentales del Barroco en Roma (Italia).

Historia del acueducto y la fuente anterior a 1629:

La fuente está situada en el cruce de tres callesmarcando el punto final del Aqua Viruno de los antiguos acueductos que suministraban agua a Roma. Con la supuesta ayuda de una virgen, los técnicos romanos localizaron una fuente de agua pura a sólo 22 km de la ciudadEsta Aqua Virgo corría por el acueducto más corto de Roma directamente hasta los Baños de Agripa
El golpe de gracia a la vida urbana de la Roma clásica tardía fue la rotura de los acueductos por parte de los asediadores godos. Los romanos medievales quedaron reducidos a sacar agua de pozos contaminados y del río Tíber, que también se usaba como cloaca.
La costumbre romana de construir una bella fuente al final de los acueductos que traían agua a la ciudad fue resucitada en el siglo XV, con el Renacimiento. En 1453, el papa Nicolás V terminó de reparar el acueducto Aqua Virgo y construyó una simple pila, diseñada por el arquitecto humanista Leon Battista Alberti, para anunciar la llegada del agua.

El telón de fondo de la fuente es el Palacio Poli, al que da una nueva fachada con un orden gigante de pilastras corintias que enlazan las dos plantas. Domando las aguas es el tema del gigantesco proyecto que se extiende hacia delante, mezclando agua y roca tallada, hasta llenar la pequeña plaza. Dos tritones guían la carroza en forma de co**ha de Neptuno, domando sendos caballos de mar.

En el centro está sobrepuesto un arco del triunfo robustamente modelado. El nicho o exedra central enmarcando a Neptuno tiene columnas exentas para mejores luces y sombras. En los nichos flanqueando a Neptuno, Abundancia vierte agua de su urna y Salubridad sostiene una copa de la que bebe una serpiente. Encima, unos bajorrelieves ilustran el origen romano de los acueductos.

Los tritones y caballos proporcionan un equilibrio simétrico, con el máximo contraste en su pose y disposición (para 1730 el Rococó ya había florecido en Francia y Alemania).

08/05/2014

La escuela de Atenas:

Es una de las pinturas más famosas del artista Rafael Sanzio. Fue hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano. La Stanza della Segnatura fue la primera en ser decorada, y La escuela de Atenas la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento.

Debido a que estaría ubicada sobre la sección de filosofía del papa Julio II, La escuela de Atenas muestra a los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea. Esta arquitectura recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado por Bramante. Platón y Aristóteles, que durante toda la Edad Media estuvieron considerados como los principales representantes de la filosofía antigua,1 se encuentran en el centro de la composición, alrededor del punto de fuga. Platón está sosteniendo el Timeo. Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda de la Verdad y hacen gestos que se corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo, simbolizando el idealismo dualista racionalista que es su pensamiento mientras que Aristóteles la tierra, haciendo referencia a su realismo sustancial racional teleológico.

En otros personajes se ha identificado a distintos filósofos de la Antigüedad, puestos sobre dos niveles, separados de una escalinata. A la izquierda puede reconocerse la figura de perfil de Sócrates.

A la izquierda, se encuentra un gran bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la Primera epístola de Pedro; simboliza a Cristo, la "piedra angular". El hombre ubicado sobre el bloque es Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel. Este personaje no estaba en el esbozo o cartón de este fresco, que se conserva en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. Se retrata en esta figura a Miguel Ángel, como se ve en el rostro, que es el del pintor florentino ligeramente mejorado, además de en las características stivali que calza: eran unas botas de montar que el pintor florentino no solía quitarse; está escribiendo uno de sus sonetos. En 1510, Rafael vio el trabajo de Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina, tras esto lo agregó en su pintura como señal de respeto hacia el artista. Al tiempo, esta figura evita un gran vacío en esa parte del fresco.

El autorretrato de Rafael está ubicado a la derecha del cuadro, el joven de cabello marrón que observa al espectador, tocando con un sombrero redondo de color azul; a su lado, Perugino con idéntico sombrero pero en blanco. A la izquierda de la pintura se encuentra Hipatia de Alejandría (pintada como Margherita Luti o Francesco Maria I della Rovere), vestida en blanco, y observando al espectador.

08/05/2014

Creación de Adán:

La creación de Adán es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Angel alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre (según la tradición bíblica). Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.

Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva, quien no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado, para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada.

Las posiciones idénticas de Dios y Adán se basan en el Génesis 1:27, que dice que Dios creó al hombre a su imagen y semejanza. Al mismo tiempo Dios, que aparece flotando en el aire contrasta con la imagen terrenal de Adán, quien se encuentra acostado en una estable triángulo de tierra. El nombre de Adán viene del hebreo y significa hombre y la forma femenina Adamah significa Tierra.

La inspiración de Miguel Ángel pudo haber venido del himno medieval Veni Creator Spiritus, en el que se pide que el dedo de la mano paterna derecha (digitus paternae dexterae) dé a los fieles amor y corazón.

Varias hipótesis han surgido en torno al significado de la composición original de La creación de Adán. Muchas de éstas toman la bien documentada experiencia de Miguel Ángel en la anatomía humana como punto de partida. En 1990, el doctor Frank Lynn Meshberger publicó en la Revista de la Asociación Médica Norteamericana que las figuras y sombras representadas tras la figura de Dios aparecían como una acertada representación del cerebro humano incluyendo el lóbulo frontal, el quiasma óptico, el tronco del encéfalo, la hipófisis (o glándula pituitaria) y el cerebelo. Alternativamente, ha sido observado que el manto rojo alrededor de Dios tiene la forma del útero humano y que la bufanda verde que cuelga de él, podría ser un cordón umbilical recién cortado.