Slow looking at art

Slow looking at art One work of art, two fascinating details. Learn how to look at and understand art in a very easy way

***Dutch translation below***🇬🇧🇺🇸 Both Michelangelo and Pope Julius II—the patron of this monument—were known to be very...
02/03/2022

***Dutch translation below***
🇬🇧🇺🇸 Both Michelangelo and Pope Julius II—the patron of this monument—were known to be very difficult men. Consequently, this commission caused many struggles between them. Why would a rich and powerful pope choose an artist who could match his own explosive personality?

The answer is: status. Some artists were not appreciated until after they died, but Michelangelo was already one of the (if not THE) most important artist during his lifetime. By choosing an artist whose name had an almost mythical sound to it, Julius II showed himself to be (almost) as mythical. Since his tomb is such an important work of art, to this day, Pope Julius II's name is still mentioned in the same breath as Michelangelo's.

An ‘uomo universale’ ('universal man') such as Michelangelo, which was the ideal during the Renaissance, had to have a detailed knowledge of anatomy – in addition to excellent skills in sculpting, drawing and painting. To acquire this knowledge, Michelangelo dissected corpses. Although the Catholic church rejected these practices, they also benefited from them--as can be seen by looking at this monument.

By studying which muscles, tendons and nerves lie beneath the skin, artists like Michelangelo knew how to create true-to-life art that even the ancient Greeks couldn't surpass. Thanks to his studies, Michelangelo knew that there is a muscle in the forearm that is only visible (because it contracts) when you lift your little finger. See the arrow in the picture! And also look at the very lifelike tendons and veins of the hand. Besides making the work of art very true to life, this trick was—above all—an effective way for Michelangelo to show "look what I can do".

As we discussed earlier, it is often not difficult to interpret Biblical art if you know how to look at it. For example, a sculpture of a horned man—the devil?!—at first glance would seem a somewhat strange choice for the tomb of a pious pope. Yet this is no devil, and that is the result of the pictorial tradition that almost every artist follows—to a greater or lesser degree. That this man—none other than Moses—was depicted with horns, has everything to do with a translation error of the Bible.

When the Bible was translated from Hebrew into Greek, the word "QRN" (meaning "with rays of light around his head") was taken by the Greek translator to mean "KARAN," meaning horn. This ironic mistranslation resulted in the fact that Moses can be recognized in countless drawings, prints, paintings and sculptures by his 'devilish' horns.
-----------------------------------------
🇳🇱 Zowel Michelangelo als Paus Julius II – de opdrachtgever voor dit monument – stonden te boek als mannen met een zeer moeilijk karakter. Deze opdracht heeft dan ook voor veel onderlinge strubbelingen gezorgd. Waarom zou een rijke en machtige paus voor een kunstenaar kiezen die zijn eigen explosieve persoonlijkheid kon matchen?

Het antwoord is: status. Sommige kunstenaars werden pas na hun dood gewaardeerd, maar Michelangelo was al tijdens zijn leven één van de (zo niet DE) belangrijkste kunstenaar van dat moment. Door te kiezen voor een kunstenaar wiens naam een bijna mythische status had, toonde Julius II zichzelf (bijna) net zo mythisch. Aangezien zijn tombe tot de dag van vandaag zo’n belangrijk kunstwerk is, wordt de naam van Paus Julius II nog steeds in dezelfde adem genoemd als die van Michelangelo.

Een ‘uomo universale’ (‘alzijdig ontwikkeld persoon’) zoals Michelangelo, dat het ideaalbeeld was tijdens de renaissance, moest een gedetailleerde kennis van anatomie hebben - naast een uitstekende beheersing van o.a. beeldhouw-, teken- en schildertechnieken. Om deze kennis op te doen, ontleedde Michelangelo lijken. Hoewel de katholieke kerk deze praktijken verwierp, profiteerden ze er ook van: dit beeld van Mozes is tenslotte voor de leider van de kerk gemaakt.

Door de spieren, pezen en zenuwen die onder de huid liggen te bestuderen, wisten kunstenaars als Michelangelo natuurgetrouwe kunst te maken zoals zelfs de oude Grieken dat niet konden. Dankzij zijn studie wist Michelangelo dat er een spier in de onderarm is, die alleen zichtbaar is (samentrekt) wanneer je je pink optilt. Zie het pijltje op de foto! Bekijk vooral ook de zeer levensechte pezen en aders van de hand. Naast dat dit het beeld dus heel waarheidsgetrouw maakt, was het een mooie manier voor Michelangelo om te laten zien: “kijk wat ik kan”!

Zoals we eerder hebben besproken, is het vaak niet moeilijk om Bijbelse kunst te duiden als je weet hoe je er naar moet kijken. Zo zou een beeldhouwwerk van een gehoornde man – de duivel?! – op het eerste gezicht een wat vreemde keuze lijken voor de graftombe van een vrome paus.

Toch is dit geen duivel, en dat is een gevolg van de beeldtraditie die vrijwel elke kunstenaar volgt – in mindere of meerdere mate. Dat deze man – niemand minder dan Mozes – werd uitgebeeld met hoorns, heeft alles te maken met een vertaalfout van de Bijbel.

Toen de Bijbel vanuit het Hebreeuws naar het Grieks werd vertaald, werd het woord ‘QRN’ (wat ‘met stralen rond zijn hoofd’ betekent) door de Griekse vertaler opgevat als ‘KARAN’, wat hoorn betekent. Deze ironische misvertaling had tot gevolg dat Mozes in talloze tekeningen, prenten, schilderijen en beeldhouwwerken kan worden herkend aan zijn ‘duivelse’ hoorns.
------------------------------------------
📷 (Detail of) Moses, part of the tomb of pope Julius II, 1513-16. This tomb is in the San Pietro in Vincoli, in Rome (Italy).

***Dutch translation below***🇬🇧🇺🇸 The Flemish Joachim Patinir (c. 1480-1524) is considered the first true landscape pain...
03/02/2022

***Dutch translation below***
🇬🇧🇺🇸 The Flemish Joachim Patinir (c. 1480-1524) is considered the first true landscape painter of the Low Countries. Although Patinir's work is in many ways reminiscent of that of his predecessors, such as Hieronymus Bosch and Jan van Eyck, for the first time the landscape no longer serves purely as a background. For the first time, Patinir elevated the background to the main subject. His paintings are not only about the - often religious - figures depicted; the landscape stars in and dominates each of Patinir’s works.

It would take until the 17th century before the landscape no longer served as a background for a biblical, mythical or historical scene. From the Golden Age (1600-1700), painters of the Dutch Republic (the present-day Netherlands) began to paint profane landscapes for the first time – often without the depiction any living creatures.

Many religious early modern paintings are easy to "read" if you know how. For example, there are only a limited amount of Biblical and apocryphal (religious writings of which the authenticity or authority is not recognized) representations that are depicted over and over again. In this case we see a very large man with a staff in his hand wading a small child on his shoulders through the water. This tells us that we are seeing Saint Christopher here, with the child Jesus.

According to a legend, a certain Reprobus decided to serve Christ by carrying people across a river on his back. While he was carrying a small boy across the river one day, the boy became heavier and heavier, until Reprobus almost collapsed and was up to his shoulders in water. Then the child revealed himself as Christ, and he baptized Reprobus in the river. His baptismal name became Christopher or Christ-bearer. Jesus sent him off to preach the gospel.

If you look at the landscape in Patinir's "Landscape with St. Christopher," you will notice that the bottom layer is colored brown, the center green, and the top layer blue. This is called "atmospheric perspective". Atmospheric perspective is a trick to make a representation more three-dimensional or spatial. You can see atmospheric perspective yourself if you’re standing in an open landscape on a clear day. If you look closely, you will then notice that the landscape seems bluer the closer it gets to the horizon.

By dividing a landscape into three layers, and painting each part in a different color, the illusion of depth is created. Patinir and other painters learned this kind of trick from the master to whom they were apprenticed in their younger years, and in turn often passed it on to their own students.
-------------------------------------
🇳🇱 De Vlaamse Joachim Patinir (c. 1480-1524) wordt als de eerste echte landschapsschilder van de Nederlanden gezien. Hoewel Patinirs werk in veel opzichten doet denken aan dat van zijn voorgangers, zoals Jheronimus Bosch en Jan van Eyck, dient het landschap bij Patinir voor het eerst niet meer puur als achtergrond. Patinir heeft voor het eerst de achtergrond tot hoofdonderwerp verheven: het draait niet alleen om de – veelal religieuze – figuurtjes in het schilderij, maar het landschap domineert elk van zijn voorstellingen.

Het zou nog tot de 17de eeuw duren voordat het landschap helemaal niet meer als achtergrond voor een Bijbelse, mythische of historische voorstelling dient. Vanaf de gouden eeuw gingen schilders van de Nederlandse Republiek (het huidige Nederland) voor het eerst wereldlijke landschappen schilderen, vaak zonder enige levende wezens. Veel religieuze oude en vroegmoderne schilderijen zijn makkelijk te ‘lezen’ als je weet hoe. Zo is er maar een beperkt aantal Bijbelse en apocriefe (religieuze geschriften waarvan de authenticiteit of het gezag niet wordt erkend) voorstellingen die keer op keer worden uitgebeeld.

In dit geval zien we een hele grote man met een staf in de hand een klein kind op zijn schouders door het water waden. Dit vertelt ons dat we hier de Heilige Christoffel zien, met het kind Jezus. Volgens een legende besloot een zekere Reprobus om Christus te gaan dienen, door mensen op zijn rug een rivier over te dragen. Toen hij op een dag een klein kind de rivier over tilde, werd het kind zwaarder en zwaarder, totdat Reprobus bijna bezweek en tot zijn schouders in het water stond. Toen openbaarde het kind zich als Christus, en hij doopte Reprobus in de rivier. Zijn doopnaam werd Christoffel, oftewel Christusdrager. Jezus zond hem weg om het evangelie te prediken.

Als je naar het landschap kijkt in Patinirs ‘Landschap met St. Christoffel’, dan valt op dat de onderste strook bruin, het midden groen en de bovenste strook blauw van kleur is. Dit wordt in de beeldende kunst ‘atmosferisch perspectief’ genoemd. Atmosferisch perspectief is een truc om een voorstelling driedimensionaler of ruimtelijker te maken. Je kunt atmosferisch perspectief zelf ook zien, als je op een heldere dag in een open landschap staat. Als je dan goed kijkt, valt op dat het landschap blauwer lijkt naar mate het dichter bij de horizon komt.

Door een landschap in drie stroken te verdelen, en elk deel een andere kleur te geven, wordt de illusie van diepte gecreëerd. Patinir en andere schilders leerden dit soort trucjes bij de meester bij wie ze in hun jongere jaren in de leer waren, en gaven het op hun b***t vaak weer door aan hun eigen leerlingen.

🖼 (Detail of) Joachim Patinir – Landscape with St. Christopher, c. 1522. From the collection of El Escorial, Madrid.

🇬🇧🇺🇸 Gabriel Metsu - one of Leiden's fijnschilders (‘fine painters’) - painted this genre piece (a painting of a scene f...
26/01/2022

🇬🇧🇺🇸 Gabriel Metsu - one of Leiden's fijnschilders (‘fine painters’) - painted this genre piece (a painting of a scene from everyday life) shortly after a plague epidemic that had raged in Amsterdam. This plague epidemic had killed 10% of Amsterdam's population. Perhaps, in this day and age, the fate of desperate people in an epidemic touches us even more.

Painters of the Golden Age have been praised for the emotional impact they were able to create with their art. Often, with just a few well-placed (and sometimes very broad) brushstrokes, they could capture a striking image of someone for whom we feel intense pity, compassion or affection.

The posture of this sick child - looking at us in despair - radiates misery. Why does it strike a chord with the viewer? Metsu used a clever trick here: by giving the child, on its mother's lap, the same pose as Mary holding the body of her crucified son Jesus, this painting evokes the same pity we feel for Mary and Jesus.

Painters like Metsu knew visual and pictorial traditions very well, and knew exactly how Biblical scenes were depicted by their artistic predecessors - and how to use these visual traditions to give their own work an emotional charge.

The brown-coloured detail of "The Sick Child" is so dark that it is barely noticeable. A casual viewer might not think anything of it, but nothing could be further from the truth. By painting an image of the crucifixion in the background of his painting, Metsu reminds us of the suffering of Christ - which is paralleled by the suffering of this child, and of the Amsterdam citizens during the plague epidemic.

Many people think that people who lived before the 20th and certainly before the 19th century - since they usually did lose one or more children - were used to the death of a child, and that this did not affect them much. Historical sources show a different picture. One example: the enormously productive composer Johann Sebastian Bach barely got any work done for years after the death of his child.

🖼 Pictured here:
Gabriel Metsu – The Sick Child, c. 1664-1666. From the collection of the Rijksmuseum
-------------------------------------
🇳🇱 Gabriel Metsu – één van de Leidse fijnschilders – schilderde dit genrestuk (een schilderij van een scène uit het alledaagse leven) kort na een pestepidemie die in Amsterdam had gewoed. Door deze pestepidemie was 10% van de Amsterdamse bevolking om het leven gekomen. In deze tijd raakt het lot van wanhopige mensen in een epidemie ons misschien nog wel meer.

Schilders van de gouden eeuw zijn geroemd om de emotionele impact die zij wisten te creëren met hun kunst. Vaak konden ze met slechts een paar goed geplaatste (en soms zelfs hele grove) penseelstreken een treffend beeld neerzetten van iemand voor wie we intense medelijden, medevreugde of genegenheid voelen.

De houding van dit zieke kind – dat ons wanhopig aankijkt – straalt ellende uit. Waarom raakt het toch zo’n gevoelige snaar bij de kijker? Metsu heeft hier gebruikt gemaakt van een handig trucje: door het kind, op schoot bij de moeder, dezelfde houding te geven als Maria die het lichaam van haar gekruisigde zoon Jezus vasthoudt, wekt dit schilderij hetzelfde medelijden op als we voelen voor Maria en Jezus.

Schilders als Metsu kenden de beeldtradities goed, en wisten precies hoe Bijbelse scènes door hun artistieke voorgangers werden uitgebeeld – en hoe ze deze beeldtradities konden inzetten om hun eigen werk een emotionele lading te geven.

Het bruingekleurde detail van ‘Het Zieke Kind’ is zo donker dat het amper opvalt. Een nonchalante kijker zou er wellicht niets achter zoeken, maar niets is minder waar. Door een afbeelding van de kruisiging op de achtergrond te schilderen, herinnert Metsu ons aan het lijden van Christus – dat hier parallel staat aan het lijden van dit kind, en van de Amsterdamse bevolking gedurende de pestepidemie.

Veel mensen denken dat mensen die voor de 20ste en zeker voor de 19de eeuw leefden – aangezien zij meestal wel één of meerdere kinderen verloren – gewend waren aan het verlies van een kind, en dit hen niet veel deed. Historische bronnen laten een ander beeld zien. Eén voorbeeld: de enorm productieve componist Johann Sebastian Bach kreeg na de dood van zijn kind jarenlang amper werk uit zijn vingers.

🖼 Hier afgebeeld:
Gabriël Metsu – Het Zieke Kind, ca. 1664-1666. Uit de collectie van het Rijksmuseum.

19/01/2022

(Dutch translation below)
Welkom to my page! Apart from showing you how to look at art and sharing fun facts about works of art, I am also an experienced tour guide of several Dutch museums (in English and Dutch). Please message me for inquiries!
---
Welkom op mijn pagina! Naast het laten zien hoe je naar kunst moet kijken en het delen van leuke weetjes over kunstwerken, ben ik ook een ervaren rondleider van verschillende Nederlandse musea (in het Engels en Nederlands). Stuur me een berichtje als je het leuk vindt om door mij rondgeleid te worden!

Adres

Lisse

Website

Meldingen

Wees de eerste die het weet en laat ons u een e-mail sturen wanneer Slow looking at art nieuws en promoties plaatst. Uw e-mailadres wordt niet voor andere doeleinden gebruikt en u kunt zich op elk gewenst moment afmelden.

Delen