27/03/2026
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3/22 (日)「となりのスクリーン」トークショー 〜終了〜
ゲスト：中島りか（『Private Property No Rights of Way』監督）、
西松秀祐（『建設的な会議』監督）、Yukawa-Nakayasu（本企画主催者）
お越しいただいた皆さま、ありがとうございました
📢上映会は本日 3/27 (金) 𝟭𝟳:𝟭𝟬-𝟮𝟬:𝟭𝟱 最終日です！
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上映会《 となりのスクリーン》 〜 アートディレクターが選ぶ映像オムニバス〜
𝟮𝟬𝟮𝟲.𝟬𝟯.𝟮𝟭 𝘀𝗮𝘁.~𝟬𝟯.𝟮𝟳 𝗳𝗿𝗶. 𝟭𝟳:𝟭𝟬-𝟮𝟬:𝟭𝟱 𝗢𝗣𝗘𝗡
▷▷企画概要
本映像オムニバスは、日本の各地で活動するアートディレクターによる映像キュレーション・プログラムです。既存の映像祭や美術館の専門家による選定とは異なり、地域にねざした視点から作品を推薦しています。地域コミュニティのなかで培われた眼差しは、従来の専門的な評価軸では見過ごされがちな、独創的な表現や試みに光をあてます。本プログラムでは作品そのものに加え、選定にいたるアートディレクターたちの眼差しや判断を提示することで、映像表現をとらえる複数の入口をひらくことを目指します。
15本の映像から選出された5作品は、「土地/他者との関係をいかに引きうけるか」という問いに、映像特有の「時間の記録性」や「被写体との心理的・物理的距離感」といった特性を活かして応答しています。そこには、家族や地域、国境や制度といった、すでに存在する関係性の中にみずからの身をおき、そのなかで生じる緊張感や摩擦、あるいは言葉にならない機微に向き合おうとする姿勢が貫かれています。
混沌とした現代社会を生きる私たちにとって、これらの映像がうつしだす情景は「どこか心あたりのある風景」として立ち現れるのではないでしょうか。映画がもつ時間は、映像のできごとを少しずつ他人から自分の物語へと近づけます。この立ちどまり、問いなおすための「スクリーン（壁）」こそが、別の視点をひらくと期待しています。
▷▷映像プログラム
『Constructive Discussion / 建設的な会議』西松秀祐｜日本｜2019｜カラー｜13分
『あなたに話したいことがある』佐々瞬｜日本｜2016｜カラー｜17分
『爪を切る #03』板倉勇人｜日本｜2025｜カラー｜43分
『Private Property No Rights of Way』中島りか｜日本｜2017｜カラー｜12分
ーー休憩（10分）ーー
『コールヒストリー』佐々木友輔｜日本｜2019｜カラー｜89分
日時：2026年3月21日（土）〜3月27日（金）17:10〜20:15
会場：シネ・ヌーヴォX (大阪市西区九条1-20-24 シネ・ヌーヴォ内)
入場料： 一般2000円 シニア/学生/会員1500円
※＜全席指定＞7日前よりオンライン＆窓口で販売 定員24名
TEL：06-6582-1416
▷▷トークショー
3/22（日）「となりのスクリーン」上映後、舞台挨拶
ゲスト：中島りか（『Private Property No Rights of Way』監督）、
西松秀祐（『建設的な会議』監督）、Yukawa-Nakayasu（本企画主催者）
■ 主催: TRA-TRAVEL
■ 助成: 大阪市
■アートディレクター: 村上 滋郎、 森 純平、吉田 有里、周山 祐未、家入 健生 (敬称略、順不同)
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『Constructive Discussion / 建設的な会議』
監督：西松秀祐｜日本｜2019｜カラー｜13分
2019年1月1日、7年ぶりに父方の祖母の家に家族が集まった。久しぶりに顔をそろえたその場で、私は家族に一つの提案をする。「みんなで組体操をしてみたい」。一見すると馬鹿げたこの提案に対して、家族それぞれがどのように戸惑い、関わり、話し合っていくのか。その過程そのものを通して、言葉では語られにくい家族の関係性や力学、距離感が浮かび上がってくるのではないかと考えた。本作は、日常では共に行うことのない行為を通して、家族という共同体のあり方を探るドキュメンタリー映像である。
西松秀祐 | Shusuke Nishimatsu
岐⾩県⽣まれ。大分県内を拠点に活動。2012年名古屋芸術⼤学芸術学部 (洋画コース) 卒業後、ドイツにあるブランシュバイグ芸術⼤学にて学ぶ。複層的な時間と記憶をテーマに、人々との出会いや自身の心の機微を、歴史や社会的な出来事と重ね合わせる詩的な作品を制作している。
主な展覧会に『Anytime』(由布院駅アートホール、由布院、2025年)、『A Breath of Time』(Grand Huit、Nantes/France、2024年)、『あたらしい場所』(アートギャラリーミヤウチ、廿日市/広島、2023年)、などがある。
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佐々瞬『あなたに話したいことがある』
監督：佐々瞬｜日本｜2016｜カラー｜17分
本作は佐々瞬の個展「うたが聞こえてくる暮し（旅先と指先）」（2016年、ARTZONE、京都）にて発表されたインスタレーション作品「あなたに話したいことがある」の映像部分。本展は、京都造形芸術大学の学生（当時）藤本悠里子が卒業制作として企画した。リサーチで京都に訪れた佐々が、若きキュレーター藤本の家業や大学卒業後の不安を聞き知ったことをきっかけに本作が制作された。インスタレーションは映像、リリックシート（映像中曲の歌詞が婚姻届用紙に印字されたもの。）から構成される。本作を再展示した佐々の個展「あなたに話したいことがある」（2017年、Gallery TURNAROUND、仙台）では、京都嵯峨「藤本畳店」の畳を使用した座席が作品空間に加わった。
藤本悠里子 1994年京都市生まれ。京都造形芸術大学、秋田公立美術大学大学院卒業。2019年より現職、秋田市文化創造館開館の事業運営に関わる。企画制作した事業に「PARK-いきるとつくるのにわ」(秋田市、2022年)など。
佐々瞬 | Shun Sasa
1986年宮城県生まれ。2009年に東京造形大学 美術学科絵画専攻を卒業。現在、仙台を拠点に活動。 土地の歴史や人々の記憶に着目し、インスタレーションや映像、ワークショップなどを通じて表現を行う。地域に根ざした作品やプロジェクトを多数手がけ、国内外の展覧会に参加。
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板倉勇人『爪を切る #03』
企画・監督・編集：板倉勇人｜日本｜2025｜カラー｜43分
板倉は2023年から継続して自身の爪切りの様子を記録してきた。切っては伸びる自分の指先を整えること、その様子を映す最中に記録されてしまった周囲の環境の気配や音、画面の外にある出来事が、ひとつの行為のなかに異なる時間や距離を呼び込み、現在の身体に重なり合う経験として立ち上がっていった。
本作『爪を切る』では、そうした個人的な記録から端を発し、人と人が互いの身体に長くふれることで生じる躊躇いや親密さを、どのように自分の身体へと引き寄せることができるのか、またその過程で呼び起こされた記憶や時間をどのように語り直そうとするのかを、映像を通して探っている。爪を切り合うあいだに生まれる会話や沈黙、視線の動きや指先に伝わる感触は、ふれるという行為を一瞬の出来事ではなく、複数の時間が重なりながら流れる経験として浮かび上がらせる。その経験は、目の前にある他者の身体だけでなく、そこに折り重なる過去や、まだ見ぬ他者との関係へと想像をひらいていく。
板倉勇人 | Hayato Itakura
複数の要素が重なり合う制作行為において、環境整理や空間構成の視点から介入し、干渉（/緩衝/鑑賞）地帯における設計行為を専門とする。また、 近年は 記録すること, 残す/遺される事象やその速度ついて関心を寄せ、記録行為とメディアを対象に制作を行う。
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『Private Property No Rights of Way』
監督・編集：中島りか 撮影：Lina Chang ｜日本｜2017｜カラー｜12分
2016年のアメリカにおけるトランプ第一次当選に続き、英国のEU離脱（Brexit）という政治的転換を移民としてイギリスで体験していた作家は、国境や国籍、帰属をめぐる言説が急速に硬化するなかで、「private」とは何かという問いに直面していた。
本映像作品は、南ロンドンのCamberwell周辺にあるキリスト教会の正面に複数設置されていた看板「PRIVATE PROPERTY / NO RIGHTS OF WAY（私有地立ち入り禁止）」を発見した場所から出発する。その建物が難民シェルターとして使用されていたことから、公共、宗教施設、私有地、支援と隔離が交錯する状況が浮かび上がった。救済のための共同体の開かれた場として想像されがちな教会の前で、立ち入り拒否の言葉が過剰に主張されていたことに、発見当初、作家は強い違和感を覚えた。そこで作家は、看板を移動させる行為によって、複数の「private」の領域が都市の中で立ち現れるのではないかと考えた。パフォーマンスでは、手書きの看板が作家自身の歩行に沿って都市のなかを反復的に移動していく過程で、境界そのものの不安定さが可視化されていく。
中島りか | Rika Nakashima
理性主義や資本主義的制度が規定する公／私の境界に関心を持ち、サイトスペシフィックなインスタレーション 空間表現を主軸として、複数の表現領域を横断しながら制作を行う。主な展覧会に「TOKAS Project Vol. 8 絡まりのプロトコル」（TOKAS本郷、2025）、「INTERSTICE」（le ventre、2024）、「□より外」（TALION GALLERY、2023）など。
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佐々木友輔『コールヒストリー』
監督：佐々木友輔 共同脚本・朗読：菊地ゆき｜日本｜2019｜カラー｜89分
福島県の一帯に〈声〉と呼ばれる都市伝説がある。 ふとした時、知らない誰かに声をかけられ、他愛もない会話をする。話しているあいだは気づかないが、後になってからはたと気づく。「さっきまで話していた人はヒトではなかった。私はいま〈声〉を聞いたのだ」と……。 幼い頃に体験した〈声〉に魅了され、三度目を聞くための手がかりを探し求める「彼」と、その探索に付き合ってきた「私の関係は、〈声〉に関心をもつ「美術家」の来訪をきっかけにして、少しずつ、だが決定的に変化していく。三者の心象風景を語る朗読音声と、彼らが見たであろう風景映像の重ね合わせによって佐々木友輔監督が描き出す、21世紀の風景論映画。
佐々木友輔 | Yusuke Sasaki
1985年兵庫県神戸市生まれ。映像作家・メディア研究者。映画・ドキュメンタリー制作を中心に、執筆・出版、展覧会企画など領域を横断した活動を続けている。主な長編映画に、『土瀝青 asphalt』（2013）、『コールヒストリー』（2019）、『映画愛の現在』三部作（2020）、『ファントムライダーズ』二部作（杵島和泉との共同監督、2025）など。現在、フィルムアート社のウェブサイト「かみのたね」で「風景のスクリーン・プラクティス」を連載中。
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▷アートディレクター
村上 滋郎 | Jiro Murakami
美術家、アメフラシ主宰、東北芸術工科大学美術科准教授。1983年山形県生まれ。京都市立芸術大学大学院修了。2013年より生まれ育った山形県長井市を拠点に活動。2015年に「アメフラシ」を結成。元印刷会社工場を活用した「kosyau」プロジェクトや、伝統的産業の草鞋・箒の継承プロジェクトなどを展開。2017年に地域の食材を活かしたクラフトビール会社「長井ブルワリークラフトマン」を設立。地域文化を活かした風景画のようなビール醸造を行う。
森 純平 | Jumpei Mori
PARADISE AIR、東京藝術大学特任准教授
1985年生まれ。東京藝術大学建築科大学院修了。2013年より千葉県松戸を拠点にアーティスト・イン・レジデンス『PARADISE AIR』を設立。今まで560組以上のアーティストが滞在している。2020-株式会社 interrobang設立。2024-東京藝術大学特任准教授。主な活動に『MADLABO』(2011～21)、『遠野オフキャンパス』(2015-)、『八戸市美術館』(西澤徹夫、浅子佳英と共同、2017-)、『たいけん美じゅつ場VIVA』 (2019～)、『有楽町アートアーバニズムYAU』(2021-)、『相談所SNZ』など。
吉田 有里 | Yuri Yoshida
名古屋芸術大学准教授
名古屋市在住。Minatomachi Art Table, Nagoya［MAT, Nagoya］共同ディレクター、アッセンブリッジ・ナゴヤ共同ディレクター／名古屋芸術大学准教授。2004-2008年BankART1929スタッフ。2009–2013年あいちトリエンナーレのアシスタントキュレーターとして、まちなか展示の会場を担当。アートプロジェクトやフェスティバル、アートセンターにおけるコーディネート、企画、運営を専門とする。
周山 祐未 | Yumi Suyama
Imabari Landscapes ディレクター
1986年愛媛県今治市生まれ。現代アートに関わるアートコーディネーター、ディレクターとして活動。主な活動に、「Tokyo Contemporary Art Award」(選考会運営事務局・2018, 2019, 2020)、「えひめさんさん物語 アーティスト in ファクトリー」(コーディネーター/広報・2018)、「岡山芸術交流」(制作・2019) などがある。2018年からは愛媛県今治市にて［身近にアートがある暮らし］をコンセプトに、アート・プロジェクト「Imabari Landscapes」を企画・運営している。
家入 健生 | Kensei Ieiri
Art&Garden NEKOZE メンバー、NPO法人 BEPPU PROJECT ディレクター
熊本生まれ。立命館アジア太平洋大学卒業。在学中よりBEPPU PROJECTにて、国際芸術祭『混浴温泉世界』やアーティスト・イン・レジデンスの運営などに携わる。2013年より市立美術館『アーツ前橋』の学芸員として地域と協働したプロジェクトを担当するほか、住居・スタジオ・ギャラリーが一体となったアートスペース『Maebashi Works』をアーティストとともに立ちあげ、運営をおこなう。2018年より現職。「梅田哲也 イン 別府『O滞』」(2020)やAIR事業などを担当。オルタナティブスペース『Art & Garden NEKOZE』運営メンバー (2022年〜)。
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▷選考審査総評
今回の映像スクリーニングは、既存の映像祭や美術館の専門家によるキュレーションとは一線を画す試みとして始動しました。山形、松戸、名古屋、今治、別府といった日本各地で活動する5名のアートディレクターが、それぞれの地域に根ざした独自の眼差しで3作品ずつ推薦し、計15点の映像作品の中から5本を選出しています。
あらかじめテーマを設けない形式をとったことで、ビデオ・エッセイ、ビデオ・パフォーマンス、そして展示空間を前提とした映像（ビデオ・インスタレーション）など、表現形態は多岐にわたりました。ジャンルを軽やかに越境し、映像メディアが持つ広範な可能性を再確認させてくれる作品群を前に、最終選考は難航しました。
何よりも選考員が着目したのは、それぞれの作品が、そのアーティストでなければ歩み得なかった状況から生まれた「必然性」を伴っていた点です。10年以上にわたる長期的なリサーチや地域住民との対話、あるいは日常の何気ない行為に潜む機微――。それらは、アーティストが「今、ここ」という時代や社会に鋭敏に反応する中で立ち上がった映像群に他なりません。
通常、美術館や大学などの公的なアートプログラムを運営する際、アートディレクターは社会性や時勢、あるいは「鑑賞者へのわかりやすさ」を意識せざるを得ません。しかし本プロジェクトでは、そうした要請から距離を置いたからこそ、既成のジャンルを越境し、表現の可能性を押し広げる作品群に出会えたのだと感じています。個人的な語りが社会と接する瞬間に生じるノイズや揺らぎを、安易に排除せずそのまま提示すること。そこにこそ、本プログラムの意義を見出しています。
選出された5作品は、「土地/他者との関係をいかに引き受けるか」という現代的な問いに対し、映像メディア特有の「時間の持続性」や「対象との心理的・物理的距離感」といった特性を最大限に活かしていました。そこには、家族や地域、あるいは国境や制度といった、逃れようもなく既に存在する関係性の中に自らの身を置き、そこに生じる緊張感や摩擦、あるいは言葉にならない機微をそのままに受け入れる真摯な態度が貫かれています。混沌とした現代社会において、これらの作品は、私たちが安易な理解で立ち去るのではなく、一度立ち止まって思考を深めるための句読点としての可能性を秘めています。
一方で、惜しくも選出に至らなかった作品群が放つ熱量も、決して選出作に劣るものではありませんでした。都市やローカルへの果敢なアクション、あるいは自身の活動を通じて社会と多面的に関わろうとするアーティストの姿勢は、選考委員に多大な気づきを与えてくれました。今回はスクリーニングという形式上の制約から5本に絞る結果となりましたが、この選考の場は、今後も継続して関心を寄せ続けたい表現者たちとの「再会」であり、新たな「出会い」の場でもありました。これらの作品ともまた、別の形で協働の機会が訪れることを確信しています。
本プログラムは今後、日本国内のみならず海外の複数のアートスペースへの巡回を予定しています。この巡回を通じて、ある地域で生まれた視点が他地域の鑑賞者やアーティストと交錯し、新たな対話の場が生まれることを期待しています。本プログラムが、作品の上映に留まらず、人と地域、そして世界を結びつけ、国際的な共創へと発展する新たなアートネットワークを構築する確かな一歩となることを願っています。
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“𝗧𝗵𝗲 𝗦𝗰𝗿𝗲𝗲𝗻 𝗕𝗲𝘁𝘄𝗲𝗲𝗻” 𝗔 𝗦𝗲𝗹𝗲𝗰𝘁𝗶𝗼𝗻 𝗼𝗳 𝗝𝗮𝗽𝗮𝗻𝗲𝘀𝗲 𝗠𝗼𝘃𝗶𝗻𝗴 𝗜𝗺𝗮𝗴𝗲 𝗪𝗼𝗿𝗸𝘀
𝗣𝗿𝗼𝗴𝗿𝗮𝗺 𝗢𝘃𝗲𝗿𝘃𝗶𝗲𝘄
This moving-image anthology is a curated program organized by art directors working across various regions of Japan. Distinct from conventional selection processes led by specialists from film festivals or museums, the program recommends works from perspectives rooted in local contexts. The ways of seeing cultivated within regional communities shed light on distinctive expressions and experimental practices that are often overlooked within established professional frameworks of evaluation. By presenting not only the works themselves but also the viewpoints and judgments of the art directors involved in their selection, the program seeks to open multiple points of entry for engaging with contemporary moving-image practices.
The five selected works respond to the question of how one might assume responsibility for relationships with place and with others. Drawing upon characteristics specific to the moving image—such as its capacity to record time and the psychological and physical distance between camera and subject—these works articulate their positions with quiet intensity. Running throughout the program is a shared attitude: situating oneself within already existing relationships—whether family, local communities, national borders, or institutional frameworks—and confronting the tensions, frictions, and inexpressible subtleties that arise within them.
For those of us living in a chaotic contemporary society, the scenes these works present may appear as landscapes that feel somehow familiar. The temporality of cinema gradually shifts the events on screen from something belonging to others toward something closer to our own stories. This “screen”—a surface that allows us to pause and reconsider—holds the potential to open alternative perspectives.
𝗩𝗶𝗱𝗲𝗼 𝗣𝗿𝗼𝗴𝗿𝗮𝗺
“Constructive Discussion” Shusuke NISHIMATSU｜Japan｜2019｜Color｜13 min
“I have something to talk to you” Shun SASA｜Japan｜2016｜Color｜17 min
“Clipping Your Nails #03” Hayato ITAKURA｜Japan｜2025｜Color｜43 min
“Private Property No Rights of Way” Rika NAKASHIMA｜Japan｜2017｜Color｜12 min
— Intermission (10 min) —
“Call History” Yusuke SASAKI｜Japan｜2019｜Color｜89 min
Dates: March 21 (Sat) – March 27 (Fri), 2026 | 17:10–20:15
Venue: Cine Nouveau X (inside Cine Nouveau)
1-20-24 Kujo, Nishi-ku, Osaka, Japan
Admission: General ¥2,000 | Seniors / Students / Members ¥1,500
All seats reserved. Tickets available online and at the box office from 7 days prior to each screening. Capacity: 24 seats.
Tel: +81-6-6582-1416
Website:
Talk Event: March 22 (Sun), after the screening of The Screen Next Door
Guests: Rika Nakashima (Director of Private Property No Rights of Way), Shunsuke Nishimatsu (Director of Constructive Discussion), Yukawa-Nakayasu (Organizer of this program)
Organized by: TRA-TRAVEL
Supported by: Osaka City
Art Directors: Jiro Murakami, Junpei Mori, Yuri Yoshida, Yumi Suyama, Kensei Ieiri
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𝘾𝙤𝙣𝙨𝙩𝙧𝙪𝙘𝙩𝙞𝙫𝙚 𝘿𝙞𝙨𝙘𝙪𝙨𝙨𝙞𝙤𝙣
Director: Shusuke NISHIMATSU｜Japan｜2019｜Color｜13 min
On January 1, 2019, my family gathered at my paternal grandmother’s house for the first time in seven years. As we reunited after a long absence, I made a proposal to my family: “I want us all to try doing a group gymnastics routine together.”
At first glance, the proposal seemed absurd. Yet, through observing how each family member hesitated, became involved, and discussed the idea, I believed that the process itself might reveal family relationships, dynamics, and senses of distance that are difficult to articulate in words.
This documentary film explores the nature of the family as a collective through an act that family members would not ordinarily perform together in everyday life.
𝗦𝗵𝘂𝗻𝘀𝘂𝗸𝗲 𝗡𝗜𝗦𝗛𝗜𝗠𝗔𝗧𝗦𝗨
Born in Gifu Prefecture, Japan. Based in Oita Prefecture. After graduating in 2012 from the Faculty of Arts at Nagoya University of the Arts (Oil Painting Course), he continued his studies at the Braunschweig University of Art in Germany. Working with themes of layered time and memory, Nishimatsu creates poetic works that intertwine encounters with others and subtle inner emotions with historical and social events.
Selected exhibitions include Anytime (Yufuin Station Art Hall, Yufuin, 2025), A Breath of Time (Grand Huit, Nantes, France, 2024), and A New Place (Art Gallery Miyauchi, Hatsukaichi, Hiroshima, 2023), among others.
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𝙄 𝙝𝙖𝙫𝙚 𝙨𝙤𝙢𝙚𝙩𝙝𝙞𝙣𝙜 𝙩𝙤 𝙩𝙖𝙡𝙠 𝙩𝙤 𝙮𝙤𝙪 𝙖𝙗𝙤𝙪𝙩
Director: Shun SASA ｜ Japan｜2016｜Color｜17 minThis work is the video component of the installation There Is Something I Want to Tell You, first presented in Shun Sasa’s solo exhibition A Life Where a Song Can Be Heard (Destinations and Fingertips) (2016, ARTZONE, Kyoto). The exhibition was planned as a graduation project by Yuriko Fujimoto, who was a student at Kyoto University of Art and Design at the time. The work was initiated after Sasa, who visited Kyoto for research, learned about Fujimoto’s family business and her anxieties about life after graduating from university.
The installation consists of a video work and a lyric sheet, in which the song lyrics featured in the video are printed on an official marriage registration form. In Sasa’s subsequent solo exhibition There Is Something I Want to Tell You (2017, Gallery TURNAROUND, Sendai), where the work was re-presented, seating made from tatami mats produced by Fujimoto Tatami Shop in Saga, Kyoto, was added to the exhibition space.
Yuriko FUJIMOTO born in Kyoto in 1994. Graduated from Kyoto University of Art and Design and completed her master’s degree at Akita University of Art. Since 2019, she has been working in her current position, involved in the operations of the Akita City Cultural Creation Center since its opening. Projects she has planned and produced include PARK – A Garden for Living and Making (Akita City, 2022), among others.
𝗦𝗵𝘂𝗻 𝗦𝗔𝗦𝗔
Born in Miyagi Prefecture in 1986. He graduated in 2009 from the Department of Fine Arts, Painting Course, at Tokyo Zokei University. Currently based in Sendai, Sasa focuses on the history of places and the memories of people, working across installation, video, and workshops. He has realized numerous locally rooted works and projects, and has participated in exhibitions both in Japan and internationally.
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𝘾𝙡𝙞𝙥𝙥𝙞𝙣𝙜 𝙔𝙤𝙪𝙧 𝙉𝙖𝙞𝙡𝙨 #𝟬𝟯
Director: Hayato ITAKURA｜ Japan｜2025｜Color｜43 min
Since 2023, Itakura has continuously documented the act of cutting his own nails. The repetitive gesture of trimming fingertips that grow back again and again, along with the ambient presence and sounds of the surrounding environment inadvertently captured during filming, and events occurring outside the frame, draw different layers of time and distance into a single act. These elements gradually emerge as experiences that overlap with the present body.
In Cutting Nails, the work departs from such personal records to explore how hesitation and intimacy—generated through prolonged physical contact between people—can be drawn back into one’s own body, and how the memories and temporalities evoked through that process might be rearticulated through moving images. The conversations and silences that arise while cutting each other’s nails, the movements of the gaze, and the sensations transmitted through the fingertips, reveal the act of touching not as a fleeting moment, but as an experience in which multiple temporalities flow and overlap. This experience opens the imagination not only toward the body of the other present before us, but also toward layered pasts and relationships with others yet to be encountered.
𝗛𝗮𝘆𝗮𝘁𝗼 𝗜𝗧𝗔𝗞𝗨𝗥𝗔
Within production processes where multiple elements overlap, Itakura intervenes from the perspectives of environmental arrangement and spatial composition, specializing in acts of design within zones of interference (/buffering/viewing). In recent years, his practice has increasingly focused on acts of recording, on events that are preserved or left behind, and on their temporal velocities. Through this interest, he develops works that critically engage with recording practices and media themselves.
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𝙋𝙧𝙞𝙫𝙖𝙩𝙚 𝙋𝙧𝙤𝙥𝙚𝙧𝙩𝙮 𝙉𝙤 𝙍𝙞𝙜𝙝𝙩𝙨 𝙤𝙛 𝙒𝙖𝙮
Director: Rika NAKASHIMA｜ Japan｜2017｜Color｜12 min
Following Donald Trump’s first election in the United States in 2016, and amid the political turning point of the United Kingdom’s withdrawal from the EU (Brexit), the artist experienced these shifts firsthand while living in the UK as a migrant. As discourses surrounding borders, nationality, and belonging rapidly hardened, the artist was confronted with the question of what “private” means.
This video work begins from the discovery of multiple signs reading “PRIVATE PROPERTY / NO RIGHTS OF WAY” installed at the front of a Christian church in the Camberwell area of South London. Because the building was being used as a refugee shelter, a situation emerged in which notions of the public, religious institutions, private property, support, and exclusion intersected. At the time of the discovery, the artist felt a strong sense of unease at the excessive assertion of exclusionary language placed in front of a church—often imagined as an open communal space for care and salvation.
In response, the artist considered whether relocating the signs might cause multiple domains of “the private” to surface within the city. In the performance, as the hand-painted sign repeatedly moves through the urban space in tandem with the artist’s walking, the instability of boundaries themselves is gradually rendered visible.
𝗥𝗶𝗸𝗮 𝗡𝗔𝗞𝗔𝗦𝗛𝗜𝗠𝗔
Nakajima is interested in the boundaries between the public and the private as defined by rationalism and capitalist systems. Working primarily through site-specific spatial practices, she develops her work across multiple modes of expression, moving fluidly between different artistic fields.
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𝘾𝙖𝙡𝙡 𝙃𝙞𝙨𝙩𝙤𝙧𝙮
Director: Yusuke SASAKI｜ Japan｜2019｜Color｜89 min
In parts of Fukushima Prefecture, there is an urban legend known as “the Voice.” At an unexpected moment, one is addressed by an unfamiliar someone and engages in a casual conversation. While speaking, nothing seems amiss, but only afterward does a realization strike: “The person I was just talking to was not human. I have heard ‘the Voice.’”
Captivated by an encounter with “the Voice” experienced in childhood, he searches for clues that might allow him to hear it a third time. The relationship between him and me, who has accompanied him in this search, begins to shift gradually yet decisively with the arrival of an “artist” who also takes an interest in “the Voice.”
Through the layering of narrated audio that gives voice to the inner landscapes of these three figures and images of landscapes they may have seen, director Yusuke Sasaki presents a cinematic meditation on landscape for the twenty-first century.
𝗬𝘂𝘀𝘂𝗸𝗲 𝗦𝗔𝗦𝗔𝗞𝗜
Born in 1985 in Kobe, Hyogo Prefecture. Sasaki is a filmmaker and media researcher. Centering on film and documentary production, his practice spans writing and publishing as well as exhibition curation, working across multiple fields. His major feature-length films include Asphalt (2013), Call History (2019), The Present of Film Love trilogy (2020), and the two-part Phantom Riders (co-directed with Izumi Kishima, 2025). He is currently contributing an ongoing series titled Screen Practices of Landscape to “Kami no Tane,” the website of Film Art, Inc.
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Art Directors Involved in the Selection
𝗝𝗶𝗿𝗼 𝗠𝘂𝗿𝗮𝗸𝗮𝗺𝗶
Artist; Founder of Amefurashi; Associate Professor, Department of Fine Arts, Tohoku University of Art & Design. Born in 1983 in Yamagata Prefecture. Completed a master’s degree at Kyoto City University of Arts. Since 2013, he has been based in Nagai City, Yamagata Prefecture, where he was born and raised. In 2015, he founded Amefurashi. His activities include the kosyau project, which repurposes a former printing factory, as well as projects dedicated to preserving traditional industries such as straw sandals and brooms. In 2017, he established Nagai Brewery Craftsman, a craft beer company that utilizes local ingredients. Through brewing, he explores beer-making as a form of landscape painting rooted in regional culture.
𝗝𝘂𝗺𝗽𝗲𝗶 𝗠𝗼𝗿𝗶
PARADISE AIR; Project Associate Professor, Tokyo University of the Arts. Born in 1985. Completed a master’s degree in architecture at Tokyo University of the Arts. In 2013, he founded the artist-in-residence program PARADISE AIR in Matsudo, Chiba Prefecture, which has hosted more than 400 artist groups to date. In 2020, he established the company interrobang Inc. He currently serves as a Project Associate Professor at Tokyo University of the Arts. Major projects include MADLABO (2011–2021), Tono Off-Campus (2015–), Hachinohe Art Museum (with Tetsuo Nishizawa and Yoshihide Asako, 2017–), Taiken Bijutsu-ba VIVA (Design / Co-Director, 2019–), Yurakucho Art Urbanism YAU (2021–), and Soudansho SNZ.
𝗬𝘂𝗿𝗶 𝗬𝗼𝘀𝗵𝗶𝗱𝗮
Associate Professor, Nagoya University of the Arts. Based in Nagoya. Co-director of Minatomachi Art Table, Nagoya [MAT, Nagoya], and Co-director of Aichi Triennale–related project Assembridge Nagoya. Associate Professor at Nagoya University of the Arts. From 2004 to 2008, she worked as a staff member at BankART1929. From 2009 to 2013, she served as an Assistant Curator for the Aichi Triennale, overseeing venues for city-based exhibitions. She specializes in coordination, planning, and management of art projects, festivals, and art centers.
𝗬𝘂𝗺𝗶 𝗦𝘂𝘆𝗮𝗺𝗮
Director, Imabari Landscapes. Born in 1986 in Imabari City, Ehime Prefecture. She works as an art coordinator and director in the field of contemporary art. Her major activities include serving on the administrative office for the Tokyo Contemporary Art Award selection process (2018, 2019, 2020), Ehime Sansan Story: Artist in Factory (Coordinator / Public Relations, 2018), and Okayama Art Summit (Production, 2019). Since 2018, she has planned and managed the art project Imabari Landscapes in Imabari City, Ehime Prefecture, based on the concept of “a life with art close at hand.”
𝗞𝗲𝗻𝘀𝗲𝗶 𝗜𝗲𝗶𝗿𝗶
Member, Art & Garden NEKOZE; Director, NPO BEPPU PROJECT. Born in Kumamoto Prefecture. Graduated from Ritsumeikan Asia Pacific University. While a student, he was involved with BEPPU PROJECT, working on the international art festival Mixed Bathing World and artist-in-residence programs. From 2013, he served as a curator at the municipal museum Arts Maebashi, where he was responsible for community-based projects. He also co-founded and managed Maebashi Works, an art space integrating residences, studios, and a gallery, together with artists. Since 2018, he has held his current position at BEPPU PROJECT. His activities include Tetsuya Umeda in Beppu “O-tai” (2020) and AIR programs. He has been a managing member of the alternative space Art & Garden NEKOZE since 2022.
𝗢𝘃𝗲𝗿𝗮𝗹𝗹 𝗥𝗲𝘃𝗶𝗲𝘄 𝗼𝗳 𝘁𝗵𝗲 𝗦𝗲𝗹𝗲𝗰𝘁𝗶𝗼𝗻 𝗣𝗿𝗼𝗰𝗲𝘀𝘀
This moving-image program was launched as an initiative distinct from conventional film festivals or museum programs curated by established curators. Five art directors active in different regions of Japan—Yamagata, Matsudo, Nagoya, Imabari, and Beppu—each recommended three works from their own locally grounded perspectives. From a total of fifteen video works, five were ultimately selected.
By intentionally setting no predetermined theme, the program encompassed a wide range of expressive forms, including video essays, video performances, and works conceived for exhibition spaces such as video installations. Faced with works that fluidly crossed genres and reaffirmed the expansive potential of the moving image, the final selection process proved challenging.
Above all, the selection committee focused on the sense of “inevitability” inherent in each work—works that could only have emerged from circumstances unique to each artist. Long-term research spanning more than a decade, sustained dialogue with local residents, or subtle nuances embedded in everyday gestures—these elements gave rise to moving images shaped by artists responding sensitively to the realities of the “here and now” within contemporary society.
When administering public art programs through museums or universities, art directors are often required to remain attentive to social considerations, current affairs, and accessibility for audiences. In this project, however, by deliberately distancing itself from such expectations, it became possible to encounter works that transcend established genres and expand the possibilities of artistic expression. Rather than eliminating the noise or instability that arises when an artist’s narrative comes into contact with broader social realities, the program embraces and presents them as they are. It is in this approach that the program’s significance lies.
The five selected works each engage a contemporary question: how to assume responsibility for one’s relationship to land and to others. They make full use of qualities unique to the video medium—its durational nature and its capacity to modulate psychological and physical distance from its subjects. Within unavoidable preexisting relationships—family, community, national borders, or institutional systems—the artists situate themselves and confront the tensions, frictions, and ineffable subtleties that arise. In a chaotic contemporary society, these works hold the potential to function as punctuation marks—moments that invite us to pause and think more deeply rather than depart with easy understanding.
At the same time, the works that were not selected possessed an intensity equal to those chosen. The artists’ bold engagement with urban and local contexts, and their multifaceted attempts to connect with society through their practices, offered significant insight to the committee. Although the screening format required narrowing the selection to five works, the process served both as a reunion with artists whose practices will continue to draw attention and as a site of new encounters. We are confident that opportunities for collaboration with these artists will arise in other forms in the future.
The program is scheduled to tour not only within Japan but also to multiple art spaces overseas. Through this circulation, perspectives born in one region may intersect with viewers and artists elsewhere, generating new spaces for dialogue. It is hoped that this initiative will move beyond the screening of works alone, connecting people and places across borders, and become a meaningful step toward building a new international network of artistic co-creation.
